En esta entrada quiero compartir mis dibujos abstractos que realicé hace un tiempo y que ya no he continuado dibujándolos. Son dibujos realizados a bolígrafo sin un sentido, tan solo el pensamiento en blanco para hacerlos, pues así sale nuestro ser. Tras observarlos repetidas veces se me ocurren multitud de significados que con posterioridad podría decir de cada uno de los dibujos. Mi intención era plasmar lo que transcurre en la mente y el puro sentimiento, es labor ahora comprender lo que la mente traicionera vivía. Quizá también puede haber algún mensaje detrás que he podido observar pero es pura interpretación.
A continuación dejo cinco, de los cincuenta, aproximadamente, dibujos, que realicé. El último dibujo es mi preferido y si que tiene un significado claro para mi de rabia interior pero en la realización no era mi intención plasmar esa rabia.
Al buscar en mí galería fotográfica,me llamaron la atención las diapositivas de las Fallas de este año 2013. El color de las llamas, los fuegos artificiales acompañándolas, las sombras negras ´´dels ninots´´ y todo en su conjunto me pareció una imagen digna de ser estudiada.
Este monumento fallero pertenece a la Comitiva de ´´La Plaça del Pilar´´, Valencia.
Para mí, las figuras que consiguen hacer estos artesanos, son un claro ejemplo de arte en su profesión, aparte de lo costosas que son de elaborar, el resultado final de éstas es increíblemente espectacular.
El día de la ´´Cremà´´ es cuando se produce, en una noche de emociones, lo que yo vengo a comentar, las imágenes que produce el fuego.
En tanto a composición, es sencilla pero a la vez impresionante, diversos ´´ninots´´ componen lo que es el monumento fallero, con diversos tonos de color y matices característicos.
El momento de la ´´Cremà´´ es cuando se produce esa combinación de luces provocadas principalmente por las llamas, que convierten en cenizas las figuras,un contraste entre la oscuridad de la noche y la luminosidad de les ´´flames´´, en donde los diferentes matices del fuego crean una escena digna de ser observada y vivida.
Hace años viajé a Asturias, justo en la frontera con Galicia, donde desemboca el río Eo, en el pueblo asturiano más próximo a Galicia, A Veiga.
Es un lugar que recomiendo visitar. También me desplacé por diversas zonas de Galicia. Muy cerca de A Veiga se sitúa la famosa playa de Las Catedrales, un lugar perfecto para mostrar arquitectura natural.
La playa de las catedrales es un enclave mágico gallego donde miles de turistas de todas partes se concentran en admirar su belleza. Los acantilados de esta peculiar playa se forman a modo de arcos donde se introduce el agua.
Podemos ver una estampa del mar recortada irregularmente. Todo ello nos lo ofrece la naturaleza, está en nuestra mano cuidarlo.
Recomiendo visitar este poderoso lugar por su grandiosidad y belleza y para aprender de arquitectura no geométrica, viva y sin intervención alguna de ninguna persona.
La publicidad es una forma de comunicación comercial y el arte es cualquier actividad o producto con una finalidad estética o comunicativa. Entonces podemos decir que la publicidad es arte, pero, según mi opinión, un arte peculiar.
La obra de arte ha estado presente siempre en la publicidad como herramienta para conducir al espectador al consumo. En esta imagen podemos ver el cuadro de Caspar David Friedrich, Viajero frente al mar de niebla, base del romanticismo donde se busca la libertad auténtica y se da prioridad al sentimiento. La idea del hombre en el acantilado de Friedrich la utiliza la marca Dior para promocionar su perfume masculino Fahrenheit, con otra perspectiva y otro color pero con la misma esencia en su representación y no con el mismo fin que sería emocionar y transmitir todo lo que el romántico sentía, una libertad, un yo, una lucha contra el despotismo ilustrado. Por ello califico a la publicidad de arte peculiar, porque es un arte por su esencia pero peculiar porque destruye el valor del arte, la emoción, el sentimiento y además descontextualiza la obra de arte que utiliza. La publicidad puede emocionar porque es arte pero no es su fin, ya que solo desea promover el consumo de aquello que muestra. También podemos calificar a la publicidad de tendenciosa puesto que puede llamar la atención de gente que se muestre interesada, no por el producto que se enseña, sino por la belleza de lo plasmado, de lo representado, y quizá esto le lleve inconscientemente a consumir. Entonces una persona se puede emocionar con el arte publicitario pero con el riesgo de caer en sus redes. Puede que haya personas que digan que consumen lo que desean, pero creo que lo que consumimos es fruto de lo que nos emociona y lo que vivimos día a día y esto lo utiliza la publicidad para incitarnos a comprar una u otra cosa y no dejarnos elegir libremente aunque pensemos que compramos lo que deseamos en todo momento.
Una de las obras utilizadas más ampliamente por la publicidad es la obra de arte de Andy Warhol donde representa a Marilyn Monroe dentro de la corriente del pop arte del siglo XX. En este caso la obra publicitaria usa la técnica pictórica en la segunda imagen y la técnica y maquetación en el primero. De esta forma la primera publicita un vehículo y la segunda las gafas RayBan. Nuevamente se repite el mismo patrón que en la anterior imagen que he comentado, se muestra el producto junto con la idea de una obra de arte buscando la atención del espectador en el producto mediante dicha obra.
Para terminar esta entrada querría mencionar otra publicidad utilizada masivamente con la imagen en este caso de una persona, de una obra fotográfica. El arte publicitario no solo utiliza la obra pictórica para su fin de consumo, también se utiliza la fotografía políticamente o como herramienta de un país o un sistema político-económico. Así, por ejemplo, la figura del Che Guevara es utilizada en múltiples ocasiones por la publicidad capitalista, como sucede en esta imagen donde se publicita la marca de coches Mercedes con la imagen del Che. De esta forma utilizan una figura que pueda llamar la atención a diversas personas para provocar un consumo de sus vehículos así como utilizar su mensaje para decir que sus vehículos son revolucionarios por ejemplo.
Voy a realizar un comentario sobre una obra curiosa del norteamericano ANDY WARHOL, se trata de "LATA DE SOPA CAMPBELL'S". (1950) Es una obra que parte de una mirada critica al entorno cotidiano creado por la sociedad de consumo. Para algunos es una crítica a esta, pero otros como yo creemos que como los grandes artistas del bodegón (un género de la pintura que es básicamente una composición de objetos y sobre todo alimentos) podían ver lo que comían como un tema para sus cuadros, pues por qué un norteamericano de los años cincuenta no va a poder ver un enlatado como asunto de una obra de arte.
El mundo del arte está estrechamente ligado con el de la publicidad, o realmente la publicidad es una forma de arte?
Como todos conocemos, la intención de un artista en su obra tiende a ir mas allá del
de la pura objetividad; es decir, de influir o crearnos impresiones y sensaciones. Pero éste fin no es el
mismo que tienen los publicistas?
En mi opinión esta estrecha relación incrementada sobretodo por la creatividad, tiene
un enfoque que las diferencia. La publicidad es una herramienta de marketing, el publicista busca venderte un producto o idea. Por otra parte el arte es una expresión interna del artista que la exterioriza de diferentes formas.
El publicista muchas veces se apoya en el arte para transmitir sensaciones que te inciten
a venderte la idea.
Este anuncio está inspirado en "El Grito de Munch"y su uso me parece de lo más acertado. Se trata de una campaña contra el maltrato infantil en Alemania, sencillamente espectacular. El Grito ha estado siempre asociado a la desesperación, la ansiedad y la culpa, un grito silencioso y que provoca angustia en el espectador. Por lo que reflejarlo en este anuncio es totalmente acorde con la situación que nos representa.
La casa museo Benlliure fue adquirrida por el pintor José Benlliure en 1885. En ella vivió él y su familia, incluido su hijo José más conocido como Peppino.
Esta familia tuvo una gran relación con el arte ya que también el hermano de José Benlliure padre, Mariano Benlliure, fue un renombrado escultor.
Esta casa museo se encuentra en un lugar privilegiado de Valencia, frente al antiguo cauce del río, muy cerca de la Torres de Serrano. Sorprende encontrar un jardín tan extenso como el que posee esta casa en un lugar con una densidad de viviendas tan marcada como lo es el barrio del carmen. Asimismo, sorprende la tranquilidad que se respira en este jardín teniendo en cuenta la densidad de tráfico de la calle Blanquerias.
La casa conserva todo el mobiliario de la época así como retratos de la familia, donde se puede observar los diferentes rostros de casi toda la familia del pintor. Cabe destacar las pinturas sobre cerámica típicas de la ciudad presentes en el jardín o los elementos de la arquitectura gótica recogidos por la familia de diferentes demoliciones realizadas en aquel siglo.
Personalmente la pintura de José Benlliure llama la atención por la minuciosidad a la hora de representar los objetos cotidianos y por el gusto por diferentes culturas, destacando la cultura oriental.
Por otro lado me llamó la atención el parecido de características presentes en algunas obras de Peppino con las de Joaquín Sorolla, el pintor valenciano más internacional.
Además de esto, me llamó limpiamente la atención el estudio de José Benlliure, en el que se podían encontrar todo tipo de antigüedades y obras de diferentes puntos de europa, en especial de Roma, donde el pintor vivió durante algún tiempo.
Por último, esta visita me sirvió para darme cuenta que aparte de Joaquín Sorolla, hay otros pintores valencianos de gran nivel, no obstante, por diferentes motivos no se han dado tanto a conocer, algo que como valenciano es importante saber.
Desde hace un tiempo la publicidad toma como reclamo obras de arte para llamar la atención del espectador y así conseguir reflejar mejor su producto, como es el caso que explicaré a continuación.
Este cuadro, llamado la Persistencia de la Memoria, se fusiona con una campaña de televisión.
La obra de arte, pintada en 1931,conocida también como los Relojes Blandos, es del artista Salvador Dalí y esta realizada mediante la técnica del óleo sobre el lienzo. Las palabras textuales de Dalí sobre esta obra fueron:"Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando".
Por otro lado en la parte de arriba tenemos la representación de un joven en busca de una bebida fría, en un lugar tan caluroso que es capaz de derretir los objetos. Es una campaña de televisión e impresión de Pierre por Ogilvy Paris.
Esta mezcla de imágenes pretende crear en el observador una relación evidentemente existente entre ambas. Realmente el fin, tanto de la obra de arte como de la publicidad, no se asemeja en nada pero sí que crea en el espectador una similitud en el trazo.
Para mí lo primero que piensas, tanto en una pintura como en la otra, es la calor que hace, pero en verdad ese es el mensaje de la fotografía de arriba, saciar la calor con una bebida refrescante, y no el mensaje de la obra de abajo, en donde cada objeto tiene un significado diferente.
En fin, las obras de arte con la publicidad y el diseño siempre irán ligadas de la mano ya que la reacción que producen es considerable y produce cierta gracia al comparar algo tan superficial con algo de tanto valor como es una obra de arte de un pintor relevante. Pero esto, tanto para el pintor como para alguien que entienda del tema, puede chirriar un poco ya que es obsceno comparar algo de tan diferente valor artístico.
Una cosa es el humor que desprenden los carteles y otra muy diferente es el respeto por las obras de arte.
Para mí es una combinación algo desequilibrada y también decir que a la hora de relacionar ambos términos (publicidad con arte) hay que tener en cuenta las reacciones que pueden producir no solo en la gente de a pie sino también en los artistas.
Con frecuencia vemos representadas a las personas retratadas, durante toda la historia del arte, con la cabeza cubierta, ya sea con un sombrero, un velo, un turbante, una corona... y la verdad es que la mayoría de veces que lo vemos estamos observando alguien importante, quizás un rey o un emperador, un importante caudillo, los apóstoles con su aureola, un burgués, la virgen... en definitiva, "un alguien importante".
Como podemos ver en el Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa,
ambos llevan algún elemento que les cubre la cabeza.
En este cuadro, obra del pintor flamenco Jan van Eyck, aparecen un rico mercader junto a su mujer. Este fue mercader que prosperó hasta alcanzar un alto nivel social en la ciudad de Brujas (Bélgica); y posiblemente el momento que vemos reflejado en la composición sea la boda que se llevó en secreto entre ambas personas. Pues bien, no pretendo hacer un comentario del cuadro, sino destacar el voluminoso sombrero de Giovanni y el velo de un blanquísimo color de la esposa. Es un claro ejemplo de que (además de que raramente se retrataban pobres, campesinos o currantes, así que no sabemos si le ponían gorros o no) los sombreros y en definitiva todos los elementos que sirven para cubrir la cabeza otorgaban al retratado un alto rango en la sociedad.
Pues bien, ahora empieza de lo que de verdad quiero hablar.
Observando todo esto, los publicistas no iban a ser menos, y fijándose en grandes autores del arte, colocarán a lo largo de la historia de la publicidad elementos cubre-cabezas, en sus campañas publicitarias. De esta forma consiguen que el comprador relacione el producto anunciado con un mayor nivel de calidad, de nivel, lo relacionen, por qué no, a un alto rango de la sociedad.
La verdad es que al observar la siguiente imagen no salía de mi asombro, es, y puedo prometerlo, una sensación que no puedo calificar con ningún adjetivo. Me quedé como atontando, viendo hasta que nivel llegan ciertas marcas de ropa y calzados para llamar la atención de sus compradores.
Como podemos observar, al publicista de turno se le ocurrió el mismo recurso visual que a Jan van Eyck para atraer a su cliente: colocar un elemento diferenciador sobre la cabeza para dar un mayor nivel de... un mayor nivel.
Es una imagen que impresiona a simple vista, y creo que no me lo podréis negar (si no lo habéis visto con anterioridad). Ya no sólo por el amarillo piolín del fondo, ni los alborotados pelos de un perfecto pelo castaño al más puro estilo L'Oreal.
Es una imagen, que quieras o no, necesitas observarla dos veces para poder digerirla sin necesidad de bicarbonato.
Es más, la cara de la chica de la fotografía, que tiene unos bonitos ojos y un gesto totalmente llamativo, pasa prácticamente desapercibida. El espectador pasa a la persona totalmente a un segundo plano, para observar la bota. Es impresionante la capacidad de esta publicidad de promocionarse y saber captar la atención.
Me entran ganas de comprarme las botas, aunque no me gusten y realmente no las necesite (porque no las uso). O quizás no sea esta sensación, y la que realmente me produce es la de no querer acercarme a la tienda para no ver esa bota. Yo que sé...
Como podemos ver, los publicistas han sabido reutilizar métodos utilizados durante siglos por grandes artistas de la pintura (y también de la escultura), cambiarlos, renovarlos, mezclarlos, combinarlos de nuevas maneras, y un largo etcétera, para luego mostrarlos en sus campañas publicitarias y del mismo modo que unos vendían sus obras al señor adinerado e importante, vender a una amplia masa de personas el producto promocionado.
Y es que realmente la publicidad no podría entenderse sin el arte. No podría entenderse sin el estudio de su historia, el análisis y la percepción de las persona de éste. Y tampoco podría entenderse el arte sin la publicidad; los artistas necesitaban vender para poder comer, necesitaban un salario, o un jornal a final del día, de la semana o del mes para poder cubrir sus necesidades y las de sus respectivas familias; es por eso que debían saber venderse y saber ajustarse a los gustos del comprador, o a unas malas, intentar cambiarlos y conducirlos hacia lo que se quiera vender.
Esta es una pequeña reflexión sobre la publicidad y el arte, cómo se relacionan, y sobre todo cómo utilizan la cabeza en su elaboración, tanto intelectualmente como de soporte o escaparate.
Realmente me lo he pasado bien escribiendo esta entrada, y realmente me he reído mucho pensando en la imagen de la bota.
Fernando Zóbel de Ayala fue uno de los pintores españoles más representativo del arte abstracto en el siglo XX. De origen filipino (nació en Manila en 1924) y corazón español (murió en Roma en 1984 pero se encuentra enterrado en Cuenca), Fernando se dedicó a lo largo de su vida a pintar y a emocionar. Se licenció en filosofía y letras en Harvard donde comienza su andadura dentro de la pintura realizando bocetos y viñetas. Expuso en su inicio en 1951 en Boston y Manila y posteriormente en Venecia. Poco a poco se interesaría por la fotografía y la caligrafía japonesa (la cual es característica en sus obras posteriores de los años 60).
En el año 1955 conoce en España a los pintores de vanguardia como Luis Feito, Gerardo Rueda, etc.
En el año 1963 viaja a Cuenca de la mano de Gustavo Torner en busca de un lugar donde exponer toda la obra abstracta que había coleccionado comprando e intercambiando cuadros. Mediante una cesión del Ayuntamiento de Cuenca, Fernando Zóbel y Gustavo Torner fundan en las conocidas Casas Colgadas de la capital conquense el Museo de arte abstracto español. Reformarían a su gusto el espacio comprado e introducirían toda la obra de la que disponían de autores abstractos como Sempere, Millares, Feito, Tàpies, Rueda, Torner, Zóbel, Chirino, Saura, Lorenzo, etc. Participó a lo largo de su vida en más de 150 exposiciones.
Murió en Roma el 2 de junio de 1984 pero fue enterrado en su ciudad, Cuenca.
Fernando Zóbel realiza su pintura con plena minuciosidad, con total detalle, con emocionante mirada, con aparente simpleza y pura complejidad, con planificación perfecta, con total destreza.
Son centenares los apuntes de Zóbel, que incluso conforman cuadros, donde podemos descifrar lo que nos quería contar o simplemente sus anotaciones para hacer sus cuadros. Los cuadros de Zóbel son pura emoción y deleite de los sentidos.
Utilizaba multitud de herramientas para transmitir en sus cuadros, citas, detalles, fotografías, colores acrílicos, óleos, etc.
Los cuadros de Zóbel son lo que transmiten emoción y sentimiento. Creo que logra plasmar esas virtudes de la realidad que tiene ante sus ojos.
[Ornitóptero]
[Júcar XII]
[Júcar X (la piedra del caballo)]
[Jardín Seco]
Para terminar mencionar que el pasado marzo la UPV trajo una serie de serigrafías entre las que se encontraban obras de Zóbel. Tuve el placer de ir a la exposición con mi clase de primero y la profesora Macarena Trujillo.
Recomiendo ver el documental sobre la vida de Fernando Zóbel realizado por televisión española:
Imprescindibles - Colgados de un sueño
También recomiendo ver estos dos vídeos, sobre todo el programa de UPVtv Polimedia donde hablan sobre la exposición Fora de Série antes mencionada. Aquí el enlace con los vídeos. Cuelgo aquí el más corto que solo cuenta la exposición.
ni tampoco por veredas, que le lleva por los montes
por donde nadie la vea.
Ya trataron de hacer lumbre
con huesos y calaveras, de los hombres que ha matado
aquella terrible fiera.
Ya trataron de cenar
una grandísima cena, de conejos y perdices,
de tórtolas halagüeñas,
- Bebe serranito bebe,
agua de esa calavera, que puede ser que algún día
otro de la tuya beba.
Ya trataron de acostarse,
le mandó cerrar la puerta y el serrano como tuno,
la ha dejado medio abierta.
- Serranito, serranito
¿sabes tocar la vihuela? - Sí señora sé tocarla
y el violín si usted quisiera.
Le ha dado una guitarrita
para que tocara en ella, al son que ella se durmiera
la guitarra respondiera.
Al sonar esa guitarra
se ha quedao medio traspuesta ya que la sintió dormida,
se ha salido para afuera.
Y al ver que no está el serrano
se puso como una fiera, y al ver que no estaba allí,
excava, bufa y patea.
Legua y media lleva andada
y sin menear la cabeza, otra legua y media anduvo
y ya volvió la cabeza.
Cogió una china en su honda
que pesaba arroba y media, y de brío que llevaba,
le ha tirado la montera.
- Vuelve, serranito, vuelve,
vuelve atrás por tu montera que es de paño fino y bueno
y es lástima que se pierda.
- Si se pierde que se pierda,
yo atrás no voy a por ella, mi madre me compra otra
y si no me estoy sin ella.
- Por Dios te pido serrano,
que no descubras mi cueva y si acaso la descubres
maldición que te cayera:
tu padre será el caballo,
tu madre será la yegua, y tú serás el potrillo
que relinche por la sierra.
A la mañana siguiente
el serranillo dio cuenta, acudieron todo el pueblo
para apresarla en la cueva.
- Yo no tengo miedo al pueblo,
ni a otros miles que vinieran, sólo temo aquél viejecito
que sé que mi padre era, y para que me matéis vosotros,
me mato yo con las tijeras.
A veces no sabemos donde acaba la realidad y comienza la imaginación de las personas. En este romance se narra la historia de una mujer nacida en Garganta de la Olla, un pequeño pueblo del norte de Extremadura, enclavado en la España profunda, la que Carlos V quiso conocer personalmente y al final decidió descansar por siempre (En Yuste, pero eso es otra historia). La Serrana de la Vera parece ser una leyenda con muchos matices ciertos, comprobados históricamente mediante papeles, pero también modificados por el boca a boca de las gentes de los pueblos.
La verdad es que no pretendo contar toda la historia de la Serranilla, ni mucho menos: Mi propósito era dar a conocer el Romance, y por tanto un pequeño tesoro que se mantiene a salvo gracias al pueblo, y que, como en muchos otros aspectos, también se ha querido actualizar, como en los vídeos que más abajo expongo.
Espero que os guste, y que si os pica el gusanillo de la curiosidad, alguna vez vayáis a visitar el norte de Extremadura, y descubráis todos sus rincones, como no, mágicos.
Podéis leer más información en algunas de estas páginas:
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